乙链艺术家邀请展｜周梅元

乙画廊

乙画廊是上海乙链艺术品有限公司旗下的品牌画廊，是一家聚焦于现当代艺术的专业艺术机构，坐落于上海市普陀区莫山干路M50创意园。

中国的许多优秀的中青年艺术家苦于没有展示自己才华的平台，认识到这一现象及问题，乙画廊成立之初便确立了自身的宗旨，即为优秀的中青年艺术家提供线下展览服务。希望通过乙画廊的推动，为许多有实力的现当代艺术家及艺术作品提供一个展示及交流的平台。

乙链公司更希望通过乙画廊与乙链线上交易及备案平台的结合，为艺术家及藏家提供全方位服务。

2018乙链艺术家作品邀请展

策展人PRODUCER

郝雨／HAOYU

学术主持ARTPRESIDE

葛红兵／GEHONGBING

开幕OPENNING

2018.12.15/3:00

展览时间EXHIBITIONTIME

2018.12.15-1.15

主办单位ORGANIZER

上海乙链艺术品有限公司/YI-LIANARTWORKCO.,LTD.

承办单位ORGANIZER

乙画廊/YIGALLERY

地址：上海市普陀区M50艺术区3-106

Room106,Building3,M50,Shanghai,China

参展艺术家

（名字按拼音排序）

安波曹一柯杜华范学贤

李华琪刘延明李陈辰李瑶瑶

潘佳辰石经虎唐伟民谭云川

袁景袁冬叶馨叶楠

张飞周梅元张大利庄丹华

周梅元

1980年生于湖北孝感

现居武汉职业画家

具象中国创作团队成员

《红樱桃》80×40cm布面油画2011年

周梅元的古典式静物作品，所要表达的不再是状物察形、叙事记录等写实性绘画的基本功能，也不完全是悦情体性等通俗欣赏层面的一般审美。

他所创造的静物图像景观更成为了他解读诗境、体显心性、创造与传递文化的直接手段。

作品中充盈着诗化的自然韵致和温润圆融的人性温暖，同时也透映着一个艺术家超逸豁朗的生命态度。

在我看来，这是他作品中着意追求的审美意蕴和文化品质，是艺术家荡涤浮尘、虚怀若谷之人文情怀和诗性禀赋的天然呈现，寄寓着周梅元内心深处的文化理想。

银小宾

艺术学博士、湖北美术学院教授、博士生导师

《学院美术》主编

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《油灯》50×50cm布面油画2012年

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《唯君粲丹实》50×40cm布面油画2013年

写实油画在中国一度因其粉饰服务的功能而被人诟病，其后又因其不够先进与时髦而遭背弃。

但实际上，只要人类尚存读图识义的欲望，写实，终究是绘画的一种手段而已，没有新旧，只有优劣。

周梅元的写实油画，证明了绘画中某种不变的品读因素的存在。

周梅元醉心于写实，在手段多样化的今天，反而成为一种绘画的态度。至少在几十年的流行风尚过后，作为年轻一代的创作者，开始懂得拒绝虚妄，并远离那些莫名的负担。

《丰盛》50×50cm布面油画2013年

绘画的乐趣，本来就十分单纯，并且所有那些描绘事物的绝活，也正是在绘画图像绘制的过程中才得以呈现。

周梅元的作品，反映出画家本人乐于观察事物的兴趣。于是，在他日常生活中所触及的边边角角，一再成为了各种精致的画面，并努力制造出让观众愿意注目的氛围。

这种绘画，不需要话语上的刻意夸张，但却实现了绘画能够与其他图像技术手段并存的意义。

沈伟

2016年夏于武昌昙华林

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《山楂红》40×50cm布面油画2014年

文/马精虎

我的朋友中有个叫“梅元”的湖北小周先生，爱穿花衣服、品茗、小酌、写字画画，还好他不会挥兵打仗，否则我得称他周郎了。

除了常常飞来飞去四海会友之外，他还有一个喜欢收藏玩意儿的爱好。

他的静物油画很拿得出手，画里面这些物件代代延续、世世传承，背后自然是有很多的故事与历史。

他也把玩这些物件，很较真地连玩带画，这算格物吗？

《灼华》20×80cm布面油画2014年

格物致知，是儒家的核心观念，但是儒家经典关于它的阐释失佚了，后世文人为了解释它的含义吵得吐沫横飞上千年，越说越玄，争论无果。

字面理解，大概是通过研究微观的物来得出宏观真知的意思，但是怎么“格”、怎么“致”，各家点子太足了，“格”出来许多神精病。

“格”人、“格”马、“格”虫虫、“格”草木可分四派，“致”心、“致”肺可创二宗，越是无法被定义的东西越有活力，越多的可能性存在。

看、玩、赏、画算格物，唱、念、做、打是参禅，一花一世界，一叶一菩提，禅宗真是儒家的二兄弟。

那么，我们的油画静物如果有这些“幕后实力”撑腰，自然和欧洲的静物油画是不一样的。

《笑西风》20×80cm布面油画2014年

周梅元在空中旅行时一定就着舷窗俯瞰过地球，地球其实就是个大园子。

我们这个民族很久前是很擅长造“园”的，方寸之地、梅兰竹菊、山石亭榭，手段高超，独步海内，苏杭还有一些遗迹，了不起得很。

造园人前世的因缘、今生的心愿和往生的希祈都在这园里，这些散落在人间的园子浓缩了人文物象、寄托着我们的永恒之境。

如今的人们，住不起园子也要常去逛一逛，乘车流连各个园子，晚间回到蜗居，蒙头发梦。

当下残存的园子是不完整的，园主当年殚于某种原因仓皇撤离后，园子里物件摆设也不知所踪，人的气息消失弥散。

穿堂过屋中，关于这园的时空诗画我们全无线索，园子景色依旧，只是个空壳，这个坐落于亚洲的空壳何其之大，十几亿游人有多少对此提出疑问？

当下我们消失的不仅仅是人文和历史景观，更可怕的是丧失思考，那么重构景观便不再可能。

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《殇》80×40cm布面油画2015年

我主观地认为周梅元的画是契合这“园”子的，是这个园中遗失物品的立存此照。

周先生的画面好似一个个闪回的片段，填补我对这“园”子的遗憾：谁家的公子哥儿看着书桌上的栀子花萌动着春情？

闪着清辉的玻璃油灯和温润的青瓷恰可摆放于曲回空阁的某个角落；有什么好玩儿的事儿能让人舍下桌上这鲜嫩多汁的龙眼？

坚强的老缝纫机上仿佛刚刚诞生过一条棉裤；那家小媳妇儿刚刚被送来的一罐子红枣臊得满面通红？

一切艺术都是关于人的艺术，饮食男女离不开一个个具体的细节，这个80后的小先生在众多的超写实静物画家中确有自己的风流。

《家乡的柿子》40×50cm布面油画2015年

世界上绘画成现象的以静态物体为对象进行创作，中国在宋代，欧洲就是巴洛克时期的荷兰以及尼德兰地区。

宋人小品中可揣摩当时人的面貌气质，这些艺术家从来把花鸟景物看作自己，笔笔画的都是自己的品格与精神；荷兰小画派的静物画背后吸引人的是活生生的往昔。

夏尔丹们更是入世的，他们笔下的物件闪烁着那个时代暖光，带着温度。中国人的以物寄情和欧洲人的依物纪事如果形成互补，那么就可能于微观景致中构建成完整的世界。

《红珠》52×52cm布面油画2015年

周梅元的画面多了些宋画的气质、儒生的情怀，少了些荷兰小画派的得意、西洋人的执拗，这难道不好吗？

绘画在这个后工业时代的信息浪潮中实在是英雄之举，画家殚精竭虑创造自己的图像，可现如今任何新鲜图像会瞬间被分享、复制，甚至无人注明出处，任何平庸景观瞬间会被图流吞没，不冒一个泡儿。

周梅元的道具太过平凡，好在蕴含着人的气息；画面简约，让人凝神；物件形单影只，却似有人语于前刚刚响过。

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《今夕何夕》40×40cm布面油画2016年

罗素说，一切美只能在真实的基础上产生。什么是真实？

再好的理论家也难以给出让人信服的答案，但普通的观众却可以得出：没有人来过的痕迹、没有人留下的消息的真实一定是假真实的结论。

那么画家眼中的真实世界与笔下的世界真实是否能够等同起来？

企图复制真实的艺术家一定不是好的创作者，从构思到绘制只有人的无限介入才可能使得这个图像以及它的载体熠熠生辉、独一无二，这是绘画自己的DNA。

《碧沁红熏》40×80cm布面油画2016年

很多人赞叹超写实绘画对细节的精到描绘，我想说，细节是物体的肌理，随着观察的深入，这个所谓细节也在不断地呈现放大，是无穷的，画笔难以追随和超越。

创作的关键在于表达，因此细节是描绘的对象，更是表现的载体，只有通过对肌理的描绘达到对图像的重构才能形成超越。

我扭头往外看到大街上人来人往，对于世界而言我们就是她的肌理。不同的人、不同的角度会观察出新的秩序，车窗框里的图景恍若宋画小品，透眼看去处处景新，隐约我听到人群脚下踩踏出觉醒的声音和自信的节奏。

这时，巴士传来“下一站梅园新村，请您带好行李物品准备下车”，我从遐思中惊醒，摇摇晃晃，耳中嗡嗡只听得“新”字，犹犹豫豫中我没有下车，不打紧，等到“梅元新村”站再下不迟。

《骤红》60×60cm布面油画2016年

《香幽》30×30cm布面油画2016年

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《枇杷与鸟笼灯》40×40cm布面油画2017年

《一剪梅》25×50cm布面油画2017年

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《暖秋》50×100cm布面油画2018年

——周梅元写实绘画答问录

（对话双方：轩敏华、周梅元）

轩：选择古典写实主义作为承载艺术理念的呈现方式是出于怎样的一种契机？

周：画什么和怎么画对我而言似乎不是那么要紧的一件事情……

轩：不那么要紧……对于一个已经完成选择之后的画家而言可能是这样的，但就选择本身而言，在一个存在太多可能性的时代，又是选择这样一种被很多人视为“过时”的方式……

周：自摄像、电影直到今天各种数字影像技术的不断更新、改进，绘画作为记录工具的原始功能正在发生本质的转变，绘画的再现功能自摄像机发明之后一直都面对着巨大的冲击和质疑。但就像汽车的出现不可能终止人类的奔跑一样，绘画的意义也不是单向的。新技术的出现不断推动着绘画去寻求新的意义，写实绘画与具象绘画也并未因此而跌入万劫不复之地。就绘画本身而言，无论选择何种方式作为其绘画行为的立足之点，画家通过绘画这个窗口来看待世界的严肃态度以及对绘画行为内在价值的积极探求永远有其存在的充足理由。

轩：所以绘画手段自身并不存在过不过时的问题，过时的只是某种定向化的思维模式对吗？

周：有很多人都问过这个问题。但这并不是说这个问题不值得被拷问，因为选择何种方式对于画家而言永远都具有重要的意义，这是艺术领域中几个最为本质的问题当中最不容画家回避的一个。有时候我也会这样问自己：采用这样一种看似过时的方式，在很多时候都在琢磨前辈的技巧，那么我存在的意义又在哪里呢……

轩：在画古典写实绘画的同时，您也画了大量的国画作品，这两种差异很大的呈现手段是以怎样的方式融入到您的艺术创作当中的？

周：我正式学画是从国画花鸟入手的，那时我最喜欢的是宋人的花鸟。宋画里面有一个最突出的东西——它们无一不是画家们深入体察生活的结果。无论是“孔雀升墩必先举左”还是“踏花归去马蹄香”等经典事例无不体现着画家对物理、画理的严格追求。这种格物致知的严谨态度以及作品中传递出的对于生命的热忱深深吸引了我。和文人画相比，这些作品也许没有那么复杂、深刻，但给人的感觉却格外清新、格外亲切。后来接触油画之后，发现自己对物体质感、空间、色彩等客观真实的东西，有一种特别的偏爱，我常常迷恋于瓷器的釉色，木质的纹理，花果的鲜活……西方传统的静物画叫StillLifePainting，它们往往并不负担重大的思想性，这点很像我早年接触宋画时的那种感受。

周：宋画中有很多作品描绘的就是人们的生活日常，无论是佳肴美味、杯盘罐盏，还是花木蔬果……无不来自对现实生活深刻而细腻的体察。它们是画家对生活本身的真实记录，体现出一种单纯优雅的美。而现代艺术大都喜欢观念先行，搞得人很累。

轩：在古典艺术的范畴里面，观念是退隐在技术之后的，技术是第一个层面的东西，如果技术缺席，艺术也就不复存在。但换一个角度看，它又是很容易将艺术导向唯技术化的一个重要诱因。当代艺术则与此相反。观念作为形上层面的东西，被画家提到很高的位置，有人甚至以为艺术家可以没有技术，但绝不能没有思想，这就催生了当代艺术的反技术现象。画家争当哲学家，争当社会学家，争当环保学家，争当文化先知，但就是不愿老老实实作一个画家……

轩：我注意到在你的作品中有一种怀旧倾向。你要诉说的东西往往和那些饱经岁月沧桑的老物件息息相关。太过时尚感的东西似乎被排斥在你的画面之外了……当代艺术有一个倾向，就是艺术家们太过热衷于钻研具有前瞻性质的课题，好像在他们的课题中永远埋伏着照亮未来艺术之路的第一缕曙光。很多艺术家的脸上都写满了急切，生怕自己被挤到人群后面去了。恰恰相反，你好像总在刻意回避这些……

周：艺术不总是前瞻的，它应该也包括怀旧。我喜欢通过对“物性”的描绘来揭示隐含在“物性”背后的普遍的“人性”。我画的相机是父亲年轻时用过的。油灯、马口窑、缝纫机……这些都是家族留下的遗物，是一代人的生活，一代人的回忆……这些旧物作为人的化身和替代者出现在我的画面之中。我想要通过它们来诉说生命在时间中的流逝和一种“逝者如斯”的生命感喟。

轩：它们写满了一代人生命的印记。

周：就是这样。我所选择的绘画方式也是我生命的印记，它们也构成了我生命的一部分。

轩：没有一种艺术方式一定是对任何人而言都是有意义的，只要它对你而言是有意义的，也就够了。

周：对的。

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